|
Рауль Дюфи ( Raoul Dufy) (1865 - 1953)
Рауль Дюфи умер 23 марта 1953 года в местечке Форкалькье близ Ниццы.
С его именем обычно связывают легкую, ясную живопись – масло и акварели,
выполненные чистыми светящимися красками с прозрачными и нежными
тонами, изящные линии, нанесенные прямо кистью на цветовые плоскости
холста, линии одновременно декоративные и экспрессивные, которые
отмечены абсолютным вкусом и изяществом.
Детство Дюфи прошло в Гавре в музыкальной семье, что объясняет
выбор многих тем его картин. С четырнадцати лет он работал в торговом
доме занимавшемся импортом бразильского кофе, но уже с 1892 он посещает
вечерние курсы художника Люйлье в муниципальной Школе изящных искусств,
где знакомится с Отгоном Фриезом. Одно из первых художественных
впечатлений Дюфи - работы Будена и Делакруа в местном музее, картина
которого "Суд Траяна" (Руан Музей изящных искусств) стала
для него "одним из самых сильных впечатлений" жизни. В
1900, через три года после Фриеза, Дюфи удостаивается стипендии
муниципалитета и отправляется в Париж. Поступив в Школу изящных
искусств (мастерская Леона Бонна) он особенно интересуется творчеством
импрессионистов в частности Э. Мане, К. Моне, Писсарро оказавшим
на него значительное влияние, а из постимпрессионистов Тулуз-Лотреком,
чей резкий штрих его вдохновлял всю жизнь. В этот период Дюфи работал
вместе со своим другом Марке в Фекане, Трувиле и Гавре. Такие картины
как "14 июля в Гавре. Улица украшенная флагами" и «Афиши
в Трувиле» (1906 Париж, музей Помпиду) по своему мазку цвету и теме
- фовистские работы, которым однако свойственна еще импрессионистская
чувственность. В 1905, согласно датировке самого Дюфи, в его творчестве
начинается новый период. Это связано с открытием Осеннего салона,
где была выставлена картина Матисса "Роскошь, тишина и нега".
"Стоя перед этой картиной - рассказывал Дюфи - я понял новые
задачи живописи; при созерцании этого чуда воображения переведенного
в рисунок и цвет, импрессионистический реализм потерял для меня
очарование". Его работа "Жанна с цветами" (1907,
Гавр Музей изящных искусств) выдает влияние Матисса. Позже большая
ретроспективная экспозиция Сезанна (1907) и путешествие вместе с
Браком в Эстак (1908) усилило структурность его картин, отличную
однако от кубизма ("Деревья в Эстаке" 1908, Париж, музей
Помпиду). Живость красок соединенная с чистым графизмом в картине
«Дама в розовом» (1908, там же) заставляет вспомнить о Ван Гоге
и немецком экспрессионизме, с которым художник познакомился через
год, во время своего путешествия в Мюнхен. Около 1909 искусство
Дюфи становится еще более легким, впитывает изящество и юмор, приобретает
некоторый декоративизм в расположении пятен и силуэтов ("Булонский
лес", 1909, Ницца, музей; "Заброшенный сад" 1913,
Париж, музей Помпиду). После ксилографий к многочисленным книгам
своих друзей-поэтов ("Бестиарий или Кортеж Орфея" Аполлинера,
1910) Дюфи обращается к декоративному искусству. Вместе с кутюрье
Полем Пуаре в 1911 он создал предприятие по росписи тканей и сделал
рисунки для тканей (1912-1930) для фирмы Бьянкини-Ферье. С 1921
он регулярно участвует в Салоне художников декораторов, вместе с
керамистом Артига исполняя фонтаны и проекты бассейнов или украшая
знаменитые парусные лодки Пуаре. После войны, начиная с больших
композиций "Ване" (1919, музей в Чикаго) живопись Дюфи
приобретает свой окончательный стиль, которому присущ живой рисунок,
немного барочный и, как бы, "завитый" арабесками, пятна
чистых красок с четкими границами, обозначенными видимыми контурами
- цвет в них остается автономным. Он выбирает темы, в рамках которых
может противопоставить беспокойному графизму, внешнее единство созданное
плоскими пятнами ярких красок: лужайка, гладь воды, гребцы, поле
скачек ("Водный праздник в Гавре", 1925, Париж, Музей
современного искусства, "Скачки в Эпсоме". 1935, там же,
«Ножан - розовый мост и железная дорога», 1933, Гавр, Музей изящных
искусств). После войны Дюфи оставляет гравюру на дереве и обращается
к литографии и акварели; в 1935 он начинает использовать связующие
краски изобретенные химиком Мароже, которые помогают ему достичь
легкости и свежести акварели. Завершением этого периода декоративных
опытов стало гигантское панно "Фея Электричества" для
павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 - фантазия деталей
сочетается здесь со строгостью общей композиции (Париж, Музей современного
искусства). В конце жизни Дюфи стремился к еще большей строгости
стиля, но в котором его шутливость получает новое развитие (серия
"Мастерские" 1942; почти монохромная "Желтая консоль",
1947, собрание Луи Карре; "Концерт в салу", 1948 Париж,
частное собрание). В 1952 за год до смерти он получил Гран-При по
живописи на XXVI Биеннале в Венеции. Необходимо отметить особую
часть творчества Дюфи: рисунки пером и карандашом, в которых проявилась
его твердость, лаконичность, живость и юмор. В межвоенные годы Дюфи
был своеобразным "репортером" описывающим зрелища развлекающегося
мира - природы (пшеничные поля, пена моря) или людей (пляжи, регаты,
концертные залы).
 |
|
|
|
|
|
|
|
